幼儿园教师体罚孩子 用记号笔在脸上画画_网易山东
幼儿园教师体罚孩子 用记号笔在脸上画画
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有的时候还被胶带贴住嘴巴……老师也好的，但也凶，不听话当然要打……我有一次手被绑在后面过……老师会叫(我们)蒙上眼睛……棒很长也很细，上面还有个很结实的一个小圆珠……半个月前，KK妈妈发现儿子右臂上有一块小瘀青，刚开始以为是不小心碰伤的，但几天下来，这片淤青却越来越深。当被问起原因时，KK说是老师打的。近日，上海协和实验幼儿园多名家长反映自己孩子被老师体罚，包括用木棒打、用绳子绑在椅子上、用胶带封住嘴巴、用记号笔在脸上画画。面对孩子及家长的投诉，两名涉事老师否认曾对孩子进行过体罚。上海协和实验幼儿园在接受晨报记者采访时也表示，初步调查下来，大班芒果班老师体罚孩子的情况并不存在。有孩子反映被绑在椅子上多名家长从各自孩子的口中得知，其实从小班开始，吴老师和张老师就开始对不听话的小朋友进行体罚，包括用木棒打、用绳子绑在椅子上、用胶带封住嘴巴、用记号笔在脸上画画……有家长当即找到当事老师当面质问，但两名涉事老师均予以否认。但该家长随后在其孩子的指引下，在该班的储物柜内找到了两根木棒，这名孩子当时对家长说：“老师就是用这个棒子打人的。”6月26日，多名家长找到了园方负责人，希望园方核实情况后，给个说法。家长盼尽快公布调查结果事发后，针对体罚孩子的事情，部分家长曾与吴老师、张老师有过微信沟通。一位家长提供的微信截图显示，吴老师说：“其实那个小棒可能也是以吓唬为主，但不管怎么样，这个方式肯定是不对的……我觉得我们还是有欠妥的地
方，不过真的希望能理解一下，可能我们这个方式需要改进一下。你说，我要是从心里面想去伤害孩子，肯定都住院了……如果你们觉得我们有做得欠妥的地方，那
我肯定会道歉的。”6月26日，多名家长找到园方负责人，希望园方在核实情况后给个说法。园方当时表示会尽快对事情进行调查核实。在此次沟通会上，家长提出了几点
要求：一是希望协和集团及协和幼儿园彻查此事，并公开调查结果;二是希望涉事的两名老师向被打过的孩子及家长当面道歉;三是希望幼儿园聘请第三方心理专家
对有要求的孩子和父母进行心理辅导及干预;四是希望学校尽快在教室安装监控设备，并向家长开放实时查看的权限。园方：希望家长能提供详实的证据材料公开资料显示，协和实验幼儿园2000年开办，该园现有教职员工42人。本次事件涉及的两位老师，班主任吴老师2014年被该园评为“家长工作优秀教师”;在该园公布的“2015年度年终表彰评优光荣榜”中，吴老师和张老师也都是榜上有名。昨天16时30分，记者来到位于莲花路2151弄62号的上海市协和实验幼儿园。园长吴女士、协和集团的法务代表，以及该园为此事成立的调查小组多名成员，集体向晨报记者介绍了相关情况。据吴园长介绍，园方在接到家长的反映后高度重视，成立了专门的调查小组。吴园长说，园方开展的取证主要包括6方面的调查，通过电话采访、问卷、面对面交谈等方式调查了两位涉事老师、芒果班个别家长、芒果班隔壁班教师、与芒果班孩子密切接触的保健老师等。园方出示给记者的调查结果是：两位老师皆表示自己不存在打孩子等过失行为;被调查的芒果班个别家长表示没有出现过孩子告状老师打人的情况;与两
位涉事老师工作来往密切的其他老师表示没有见闻过其打人情况;两位老师在家长问卷调查中的满意度一直达标;芒果班的到园出勤率一直维持在92%以上。所
以，园方给出了目前的调查结果：无明确证据证实两位老师存在从小班打孩子一直打到大班的情况。调查过程中，园方也曾多次与家长沟通，希望家长提供更多的书面证据，比如小孩被打的时间、地点、什么情况下被打等信息，以便进行更深入的调查。
但至今仍未收到任何家长提供的任何书面证明材料。吴园长还表示，希望家长能够与园方通力合作、提供详实的证据材料以供后续调查。6月30日下午，为核实家长所言是否属实，晨报记者见到了5名上海协和实验幼儿园大班芒果班的孩子及各自的家长。虽然家长们表示，记者可以当面问这些小朋友，但记者最后还是选择了当一名旁听者，记录下这些小朋友和家长的对话。A小朋友妈妈：你们老师有打过你们吗?A：有呀，用个棒子打。A妈：我听说有次有小朋友手被绑在凳子上了，是吗?是谁被绑?A：石头，有的时候还被胶带贴住嘴巴。A爸：哪个小朋友被胶带贴住嘴巴?A：石头，(被)绑过、“羊癫疯过”、贴过(嘴巴)。A爸：“羊癫疯”是什么惩罚?A：一下来三棒，啪啪啪，有些至少还五个呢(被打五棒)。B　小朋友妈妈：老师平时对你们好不好，有没有打过你们?B：老师也好的，但也凶，不听话当然要打。B妈：老师是用什么打(你们)的?用手打的吗?B：用棒子。B妈：什么样的棒子呢?B：很长、也很细，上面还有个很结实的一个小圆珠，红色的。B妈：那为什么要打(你们)呢?B：不睡觉。我有一次手被绑在后面过，因为我上课把手放在后面。C小朋友妈妈：老师是不是有一根棍子，谁不乖了就用那个棍子打你们?C：嗯。C妈：那棍子长什么样子啊?C：长长的，然后上面有个圆头。圆头是红色的，身体部分是木头颜色。C妈：是吴老师打的多还是张老师打的多?C：张老师。C妈：老师打小朋友的时候就让你们做什么?C：老师会叫(我们)蒙上眼睛。D小朋友妈妈：你被老师打过吗?D：有呀。D妈：你跟我讲一下你们老师用什么打你的?D：就是用棒子打。D妈：那她打过你几次?D：好几次。D妈：她打你哪里?D：脚、屁股、背。D妈：那天你跟我说，有一次她拿什么东西画你脸上了?D：白板笔。D妈：画你哪里?D：画脸两边。D妈：谁画的?D：张老师。D妈：画完之后，你觉得难过吗?D：画在脸上，不舒服。(小朋友带着哭腔说)E小朋友妈妈：宝贝，我问你啊，你们在幼儿园里如果不乖的话会怎么样啊?E：会被老师骂或者打。有时候用手打，有时候用棒子打。E妈：那个棒子是什么样子的?E：前面有一个红的球的(棒子)。E妈：你记不记得仔仔被老师在脸上画，画乌龟的事情?E：我只记得在他手上画圆圈。E妈：用什么东西画?E：记号笔。【对话涉事老师】记者：你们有打过班里孩子吗?吴老师：没打过，从没打过。张老师：没打过。记者：小朋友提到及家长找到的木棒是怎么回事?吴老师：这只是一个教学工具，黑板很大，方便指挥点击黑板上的内容。记者：给孩子嘴巴贴胶带的事情有过吗?吴老师：没有。曾经有家长在朋友圈发过小孩在家用胶带贴嘴的照片，我还在下面留言：这个方法不错，以后买两卷放教室。事后想想我说得不对，但这是玩笑话。记者：有在小朋友脸上画过乌龟吗?吴老师：没有，真画脸上怎么可能洗(掉)。我们班正面临毕业，在班级组织的“毕业纪念自画像”留念活动中，有一位小朋友由于把自己的衣服画的奇形怪状被我说成“画的像乌龟一样”。记者：你们没打过小朋友，为什么会有那么多人说被打过，你怎么想的?吴老师：我没做过，听到他们这样讲，我很难受。
本文来源：新闻晨报
责任编辑：邹敏
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银座股份近日公布的业绩预告显示，由于公司商业营业收入受实体零售环境影响较同期大幅下滑，预计2016年实现归属于上市公司股东的净利润与上年同期相比将减少80%左右。好难得看到一个不是拿高考作业，画照片的来问画的，激动的我热泪盈眶了。&br&&br&大体评价只能说有感觉，有想法，只是没内容的落脚点，有劲使不出来。颜色感觉有个人趣味，就是形体偏弱，或者说还没有找到一个好的切入点。&br&&br&内容指的是主题啊，题材啊，表达形式啊这些。&br&&br&这种相对偏文艺的以前在各种美展见的多一些，无一例外需要研究构图学，材料学，还有附加一个主题，不然只是单纯的玩颜色玩感觉，那文艺和做作只有一线之隔。&br&可以自行查阅一些插画，纯艺术的文献，找找自己喜欢的方向，同时提高相关技法，当然我觉得当务之急是提高构图学的认知。&br&&br&附加一个我非常喜欢的画，克里姆特的风景系列，除了颜色以外，主要的增色部分就是构图的乐趣。&br&&br&&figure&&img src=&/4acc1ac0c66f_b.jpg& data-rawwidth=&1000& data-rawheight=&1003& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1000& data-original=&/4acc1ac0c66f_r.jpg&&&/figure&
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不仅仅是艺术教育的缺失，究其原因是一个时代的缺席。&br&向一个体弱多病没怎么吃过肉并且天性喜欢吃肉的人去推销有机蔬菜，大谈特谈有机蔬菜的价值，环保、养生、健康，比肉的价值高得多，同时价格也比肉要高得多，无疑是一场注定要失败的营销。中国人就是这体弱多病的大多数，好不容易现在能吃上肉了，刚刚吃上两口肉了却被喊停说我们吃肉不雅观，观念很落后，肉食者鄙，看看隔壁老王家已经开始生吃马铃薯，西瓜泡馍馍了，优雅、体面、有深度，这才是正确的进食方式！殊不知隔壁老王从600年前那会儿就开始顿顿吃肉了，吃到今天早已谈肉色变，开始味蕾重组，改吃素的了。&br&中国的艺术教育相对西方比较落后，是不争的事实，特别是在普通民众的审美水平上，有较大的滞后，柏拉图说得好，人穷不能怪政府，点背不能怨社会，近代中国遭遇了种种的不幸，加之中国特殊的社会结构和地理位置，地大物“薄”，人口众多而资源并不丰富（至少现在能探测和开采出来的资源总量与庞大的人口数量是不成比例的），导致生产力在相当长的一段时间里都处于一种低水平状态，笃定地说经济发展水平直接影响艺术发展高度是一定会受到抨击的，但是，至少我认为生产力发展水平会强烈左右大众审美心理，生产力水平越高，大众会有更多的时间和精力去关心精神生活，你很难想象一个贫困到每天挣扎在生死线上的人睁开眼睛的第一件事是思考梵高和高更谁的画面更具表现力，如果有，那他也已经死掉了。&br&格式塔心理学认为人对“形”，或者是“完形”是存在天性上得偏爱的，完美对称的图形显然是根植于人类审美天性里的，大多数原始陶罐上的装饰纹样都是对称的&figure&&img src=&/e35a859b0ab70e1b749c8_b.jpg& data-rawwidth=&298& data-rawheight=&227& class=&content_image& width=&298&&&/figure&&br&&figure&&img src=&/ab1d2fde18d5_b.jpg& data-rawwidth=&211& data-rawheight=&220& class=&content_image& width=&211&&&/figure&但是稍微用脑想一想就会发现，原始的自然界除了生物外是没有完全对称统一的形象的，所以原始美术大多以人物或者动物为主要题材，因为这种形象很适合表达对称统一的审美理念，当然也有一部分原始因为这些题材是离生活最近的。&br&随着生产力的发展，人类的生活环境里充满了对称统一，于是艺术的形式也开始变得多样化了，在大工业时代阴影的笼罩下，喊起了回归自然的口号，说白了就是吃肉吃腻了换换口味儿。&br&&figure&&img src=&/867a5ab5e82debdf1ce0b31_b.jpg& data-rawwidth=&690& data-rawheight=&295& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&690& data-original=&/867a5ab5e82debdf1ce0b31_r.jpg&&&/figure&&figure&&img src=&/567cdea85_b.jpg& data-rawwidth=&500& data-rawheight=&337& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&500& data-original=&/567cdea85_r.jpg&&&/figure&&br&遗憾的是，中国在全世界最风起云涌变动的时刻缺席了，工业落后，科技落后，在整体上积贫积弱的状况下，文化艺术自然也没有了自信，依我看来中国在近代最值得惋惜的不是科技和工业水平上的停滞不前，而是思想上的滞后，事实上在近30年来我国在工业和科技上的发展速度是人类史上前所未有的，很快就能补上100年前落下得课程，然而思想上的提高则需要好几代人的努力，无法一蹴而就。&br&徐悲鸿先生是公认的中国近代美术教育之父，1919年去法国留学时，西方的现代艺术已经进行得如火如荼，1917年杜尚就在美术馆里展出了那件足以让他永垂艺术史而不朽的作品——《泉》，1919年开始“折腾”蒙娜丽莎，达达主义的余热也还没有完全退散&figure&&img src=&/c467d36df78_b.jpg& data-rawwidth=&992& data-rawheight=&709& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&992& data-original=&/c467d36df78_r.jpg&&&/figure&&figure&&img src=&/037a6c648e2fcd0aa8615c_b.jpg& data-rawwidth=&500& data-rawheight=&833& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&500& data-original=&/037a6c648e2fcd0aa8615c_r.jpg&&&/figure&&br&徐先生一定是清楚世界最前沿的美术是什么的，当年一同在法国的刘海粟先生和林风眠先生当然也是很清楚的，这二位先生回国以后一直大力提倡当时世界最先进的美术思想，试图唤醒国人已经吃了安眠药的审美观，高喊让展览走出美术馆，殊不知，国人都还没有走进美术馆呢，何来走出一说？刘海粟和林风眠先生的艺术造诣高超，但在最基础的大众美术教育方面，确实不如徐悲鸿先生来得实在，徐先生引进的苏联绘画模式，对绘画者的要求首先就是要像，或者说要画得精准，大众对这种绘画的接受程度是相当高的，我想任何初学绘画者对自己能画出一幅“像模像样”的画都是会感到喜悦的，我相信这种审美取向是根植于人类的原始基因里的，在这个时候普及苏派绘画无疑是给一个天生就爱吃肉且饥肠辘辘的人喂肉吃，只是没想到，这一喂就是100年，他们还是那么爱吃肉，但值得庆幸的是，有一小部分人已经开始吃蔬菜了，并且可预见的会有更多的人爱吃蔬菜，至于那些死活要吃肉的，又有什么可指责呢？谁说吃肉就一定不好而吃吃蔬菜就注定更健康呢？隔壁老王？他家本来就是种蔬菜的，能不说蔬菜好么？哼！
不仅仅是艺术教育的缺失，究其原因是一个时代的缺席。 向一个体弱多病没怎么吃过肉并且天性喜欢吃肉的人去推销有机蔬菜，大谈特谈有机蔬菜的价值，环保、养生、健康，比肉的价值高得多，同时价格也比肉要高得多，无疑是一场注定要失败的营销。中国人就是这…
不泻药&br&&br&我不喜欢印象派。&br&&br&简述原因有三：&br&其一，从艺术品的角度而言，我不喜欢印象派，尤其善用明亮色彩的几位艺术家，这可能跟我的视觉经历和图像品味相关，较为主观；&br&其二，从历史的角度而言，要注意的是，艺术是从“印象派”开始死的，注意，我说的是“开始”；&br&其三，从传播的角度而言，当代大众对于艺术、艺术家及艺术史的认知程度，离不开印象派的过分流行（当然，色彩好看讨巧的印象派也靠着传播技术的发展大行其道），甚至于在很多大众眼里，艺术=印象派，艺术家就应该像这些浪漫的人儿们一样肆意挥洒颜料，片面地下了定义。这对于整体和客观了解“艺术”，尤其是发生在现在的“艺术事件”的认知和了解，说实在，是有害处的。
不泻药 我不喜欢印象派。 简述原因有三： 其一，从艺术品的角度而言，我不喜欢印象派，尤其善用明亮色彩的几位艺术家，这可能跟我的视觉经历和图像品味相关，较为主观； 其二，从历史的角度而言，要注意的是，艺术是从“印象派”开始死的，注意，我说的是“…
谢 &a data-hash=&c101e0306cfc6a10d111& href=&///people/c101e0306cfc6a10d111& class=&member_mention& data-editable=&true& data-title=&@张祖逸& data-hovercard=&p$b$c101e0306cfc6a10d111&&@张祖逸&/a& 邀请&br&&br&我刚好在专栏里更新了一篇关于马列维奇的。不过，老兄你也太逗了，我说不许转载到其他平台，知乎内部还是可以随意的啊，哈哈哈。&br&但是对你保护写作人的版权的态度致敬！！&br&大过年的我有点儿感动了...&br&&br&我把原文链接放在这里：&br&&a href=&/artissue/& class=&internal&&issue#3 马列维奇的至上主义和所谓终极奥义 - Art Issue - 知乎专栏&/a&&br&&br&既然是专栏，里面都是我的一些主观的偏见，仅供参考，我粘贴一些内容过来，希望能帮助你。&br&&br&&blockquote&&p&在二十世纪的初期，当人们对艺术的创新还没有完全回过神来的时候，马列维奇已经开始进行所谓对“终极奥义”的思考了，并且创立了“&i&至上主义suprematism&/i&”这个艺术流派。就好像当我们对触屏手机还没有接受度很广的时候，已经有人开始研究如何把全息投影运用到日常中了一样。更新和创新速度不是一般地超前。 &br&&br&马列维奇自己说，“&b&至上主义是艺术的绝对真理。&/b&”并且“&b&将取代此前曾经存在的一切流派。&/b&”，也许他说得有点太夸大了，因为在至上主义之后，艺术还是有很多很多新的流派和创作手法产生，但不得不承认的是，他之后的流派和手法的创新不得不“绕着走”，因为马列维奇已经通过至上主义把路堵死了，起码把形状和颜色这条路给堵死了，这让其他艺术家们只能另辟蹊径。 &br&&br&&/p&&figure&&img data-rawheight=&518& data-rawwidth=&500& src=&/00c510ad1f7fe6c81d8e661c45c7e964_b.jpg& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&500& data-original=&/00c510ad1f7fe6c81d8e661c45c7e964_r.jpg&&&/figure&&p&&i&《白色上的白色》，1918年。&/i&&br&&/p&&p&比如这幅著名的《白色上的白色，white on white,1918》。&b&颜色和线条还有形状都被高度抽象成这个样子，“摆”在你的面前。不得不让人认真地思考：颜色是什么？线条是什么？其实本来没有颜色，其实本来也没有线条，不是吗？颇有“色即是空”的意味&/b&。 &br&&br&&/p&&p&马列维奇这样阐述自己的至上主义：“&b&通过至上主义这种艺术，我理解了创造艺术中，纯粹感知的重要，对于至上主义艺术家而言，客观世界里视觉中发生的现象，就现象本身而言是毫无意义的，它们之所以重要，在于令人产生的感觉，而不是客观的事物或环境。&/b&”&/p&&p&所以，他认为，客观世界的这些物质的、可捉摸的东西都是虚的，&b&唯有纯粹的感知才是最重要的。所以，至上主义就需要把客观的事物提纯，提纯成高度抽象的这个样子&/b&。 &br&&/p&&p&&br&马列维奇试图通过艺术的方法，找到一种近似于宇宙终极奥义的东西。然而，我也同时明确地知道，&b&宇宙的终极奥义不是那么容易就找得到的&/b&，也许直到人类灭亡的那一天也未必能找得到。马列维奇找到的是按照他的方法论所产生的结果，而其他人在追求这个终极奥义的时候，也会采用别的方法。计算机有1和0，佛家有“色即是空”，而&b&当马列维奇用至上主义几乎把抽象艺术的后路堵死的时候，其他艺术家不得不从其他的方面来推进艺术史的前进&/b&。计算机有二进制，那我就用八进制好了；你用佛家思想解释一切，那我就用道家好了。 &/p&&/blockquote&&br&简单地说，就是马列维奇试图创造一种最高的艺术形态，他通过自己的经验，认为绘画的元素（线条、颜色）这些具象的东西都不在真实的，都需要抛弃，需要提纯。所以他的画是这个样子。&br&&b&好像你问我颜色是什么，我说颜色根本不存在，只有光是存在的，颜色只不过是人眼睛对不同波长的光波所产生的反应罢了，事实上光是没有颜色的&/b&。&br&类似于这样的感觉。
邀请 我刚好在专栏里更新了一篇关于马列维奇的。不过，老兄你也太逗了，我说不许转载到其他平台，知乎内部还是可以随意的啊，哈哈哈。 但是对你保护写作人的版权的态度致敬！！ 大过年的我有点儿感动了... 我把原文链接放在这里：
两个问题，简单版本的回答：&br&1，不算。2，是你的。&br&&br&详细版本的回答如下：&br&楼主提到的可以归纳为关于艺术品的复制和实现的问题。&br&&br&最重要的一点，平面艺术作品（为免跑题，此处不讨论音乐、舞蹈等形式），是要具备&b&或多或少&/b&一些前人没有的想法，或者形象。“单纯”的复制是不能算作艺术品的。一个简单的例子是：&br&&br&‘我吃了“素烧茄子”以后觉得很好吃，之后在上面加上青椒和土豆，做成“地三鲜”。这就和“素烧茄子”有所区别，成为了一道新菜。但如果我还是做素烧茄子，人家可以说你的口味好像不太一样，但是依然是素烧茄子。如果我在这个“素烧茄子”的基础上再加以创造，比如加入独门秘制的调料，使得味道大有改观，那就变成了“私家茄子”，也是一道新菜。’&br&&br&针对艺术品的“复制”基本上就可以分成再做一道“素烧茄子”，“地三鲜”和“私家茄子”三类。&br&&br&第一种，完全的复制，这种行为哪怕是艺术家本人做了，再宣称是艺术品，都会产生非常恶劣的影响，更别提别人了。例如艺术家范曾曾经被爆料他同时画很多完全一样的画，以卖给更多的人赚取利润【注1】。这次事件令范曾的声誉遭受重挫，以至于他们对簿公堂。在国外，类似的行为也会导致类似的结果。&br&&br&【注1】：&a href=&///?target=http%3A//.cn/html//content_496163.htm& class=& wrap external& target=&_blank& rel=&nofollow noreferrer&&江南时报--范曾状告郭庆祥谁是真正的赢家&i class=&icon-external&&&/i&&/a&&br&&br&第二种，在上面进行加法。最为典型的代表便是法国艺术家杜尚在1919年作的作品《L.H.O.O.Q.》【注2】。他在名画《蒙娜丽莎》之上加了胡子。这个作品的关键并不在于胡子好看不好看，而是他通过胡子，来提醒大家，不要盲目崇拜权威，无脑地追求以往的美感，要敢于创新。这在近100年以前的1919年，还是非常新潮的思想。所以，这件作品由于它背后的故事和理念，成为了一件“观念艺术”，而不是画胡子艺术。这使得之后人们对艺术的想法大为拓展，可以说是化“烧茄子”为“地三鲜”了。&br&&br&【注2】：杜尚作品《L.H.O.O.Q.》&figure&&img src=&/44b7c314f3bb51ddb4888d_b.jpg& data-rawwidth=&208& data-rawheight=&339& class=&content_image& width=&208&&&/figure&&br&&br&第三种，在原作基础上修补改良。这类作品的争议最大。最为典型的便是美国艺术家安迪·沃霍尔作品《花》【注3】以及理查德·普林斯的作品《牛仔》【注4】。在这两个作品中，艺术家都是将他人的摄影作品进行修改。沃霍尔把照片染色重新印刷，而普林斯则是改了个大小，染色， 剪裁掉了一部分。并且他们都声称这是一件“新作品”。但是，这种艺术是有条件的。沃霍尔的作品展出后立刻被《花》照片原作者帕特丽卡·考尔菲尔德起诉侵权，双方庭下和解，艺术家向摄影师支付了6000元赔偿，以及额外的版权使用费。&br&而普林斯的问题就更为复杂。他辩称自己就是个“抄袭”艺术家。被他剽窃的摄影师们非常愤怒，自被剽窃以来就一直没有停止起诉普林斯的脚步。而对于法官们而言，这也确实是个非常头疼的问题。在2011年3月时，美国一家联邦地方法院曾经判决普林斯必须损毁被控侵权的30件作品。但是在日，美国第二巡回上诉法庭做出裁决，&a href=&///?target=http%3A///& class=& wrap external& target=&_blank& rel=&nofollow noreferrer&&艺术家&i class=&icon-external&&&/i&&/a&理查德·普林斯（Richard Prince）在挪用摄影师帕特里克·卡里乌（Patrick Cariou）拍摄的牙买加地区瑞斯塔人照片，大多并未侵犯该摄影师的著作权。这次法庭认为：“卡里乌那&b&宁静&/b&又慎重创作的肖像及风景摄影作品中，描绘了瑞斯塔人及其周边环境的自然之美；而另一边，普林斯那令人不悦的粗糙作品，是&b&忙乱和充满挑衅&/b&的。”（注意，这里法官的判断标准便是这个作品是否又有了新意，由此印证了开头对艺术必须具有创新性的说法）&br&&br&【注3】：&br&安迪·沃霍尔作品《花》（下图下）及原作摄影对比（下图上）&br&&figure&&img src=&/cb50734ebabfb25d8b101ce_b.jpg& data-rawwidth=&1024& data-rawheight=&940& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1024& data-original=&/cb50734ebabfb25d8b101ce_r.jpg&&&/figure&【注4】理查德·普林斯作品《牛仔》（下图左）及原作对比（下图右）&br&&figure&&img src=&/9ffbedda1d17_b.jpg& data-rawwidth=&587& data-rawheight=&511& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&587& data-original=&/9ffbedda1d17_r.jpg&&&/figure&&br&总结：关于自己拍照算不算艺术品，艺术界也是纷争不断。但总的来说，艺术鼓励创新，不鼓励复制这一点是肯定的。至于自己拍照，可以作为一件“全新的反映摄影者自己思考和眼光的照片”，只要不宣称“这是我独立创新的一件艺术品”，也是没有什么问题的。因为此时它仍然不构成对艺术家著作权的侵害。当从文艺的角度讨论这个事情到底算不算艺术品太过复杂的时候，换位思考，从法律角度去考虑，或许会更容易一点。&br&&br&补充：《中华人民共和国著作权法实施条例》第二条：“著作权法所称作品，是指文学、艺术、科学领域内具有&b&独创性&/b&并能以某种有形形式复制的智力成果。”&br&《中华人民共和国著作权法》第47条：……（四）歪曲、篡改他人作品的（五）剽窃他人作品的（六）未经著作人许可，以展览……等方式使用作品的……均属于侵犯著作权的行为。
两个问题，简单版本的回答： 1，不算。2，是你的。 详细版本的回答如下： 楼主提到的可以归纳为关于艺术品的复制和实现的问题。 最重要的一点，平面艺术作品（为免跑题，此处不讨论音乐、舞蹈等形式），是要具备或多或少一些前人没有的想法，或者形象。“单…
怒答！我是工科生，我不认为理工科学生普遍瞧不起艺术，但我要替你说句公道话。说“艺术没有价值”的人，他的内心是有多么贫瘠，思想是有多么无趣啊~&br&&br&人的精神可以宏观分为&b&理性&/b&和&b&感性&/b&。科学需要理性，是由外向内的归纳、倾听、接收，帮助我们总结规律，理解和学习现实世界；艺术需要感性，是由内向外的表达、倾诉、释放，帮助我们突破规律，感受和拓展精神世界。这两者对于人类的重要性都是不言而喻的，又怎能有人大言不惭的说“艺术没有价值”？他们只是想通过这种方式在你面前寻求一点儿可怜的优越感罢了~&br&&br&在知乎上也是，包括某号称理工科思维的大V在内，很多人认为理工科思维是万能的，这未免太过自负。如果理工思维这么万能，能否解释清楚艺术的本质呢？事实上，在几千年的哲学史上，艺术的本质都没有哪个哲学家敢说自己悟透了，很多哲学家还把艺术家称之为“近乎上帝”的存在，因为他们也在创造着某种世界。人类理性的触角是有限的，艺术的本质恐怕只有玄学和宗教层面的理论能够有所触及，结果竟然有人开始瞧不起艺术了。。。&br&&br&我初中的时候曾经有段生活特别艰难，经常陷入绝望的边缘，是文学和音乐让我隐约的感觉到，这个世界还有那么多的美好。&br&&br&在文学的世界里，我看到了人类的伟大与渺小，爱情的缠绵与纷扰，生命的坚强与脆弱。。。在音乐的世界里，我能感受到明月长空，落花流水，热血奔涌，豪气纵横。。。艺术能让人超越现实的束缚，到达另一个更加绚丽多彩的世界。这样的一种存在还有人否定它的价值？&br&&br&再有理工科学生在你面前鄙视艺术，你就装作很佩服的样子，满怀期待的对他说：“恩恩，你的理工科思维真厉害。那你给我分析下艺术是怎么回事呗？”&br&&br&完~
怒答！我是工科生，我不认为理工科学生普遍瞧不起艺术，但我要替你说句公道话。说“艺术没有价值”的人，他的内心是有多么贫瘠，思想是有多么无趣啊~ 人的精神可以宏观分为理性和感性。科学需要理性，是由外向内的归纳、倾听、接收，帮助我们总结规律，理解…
其实我也一直好奇这个问题呢，老爸是西方艺术史老师（但是以下看法仅代表我个人，跟我爸没关系…赶紧匿了），所以我从小耳濡目染见过历史上很多艺术家的画得很“奇怪”或是说“扭曲”的作品，我一直觉得可能是因为那些画家当时处于的年代都太乱了（我乱猜的啊…）。现在798出现的那些画先不说，就说央美学生展览的那些吧，我觉得有点儿故意模仿外加无病呻吟了（央美学生看了别打我…）我记得我爸说过 &艺术想多了容易走火入魔.只要喜欢,拿起笔来就画,画出你喜爱的线条,形状和色彩.仅此而已.&…额首先我没跟我爸学过画画（我妈为了这事儿骂了我二十年），但是我特别喜欢我爸的这句话，我觉得画画是在表现自己的内心实感，如果央美的同学们心中是纯净美好的，我真心希望他们能画一些简单轻快的画，而不是刻意去模仿那些明明不是自己心境的东西，这样导致的结果不会让观众觉得很大神，反而会觉得“恶心”…（这句没有恶意阿别误会！我表达能力不好！）综上所述！！！！----我觉得他们画这些…“有一部分人”…是想…模仿那份压抑的心境吧…（愚见愚见别打我。。）
其实我也一直好奇这个问题呢，老爸是西方艺术史老师（但是以下看法仅代表我个人，跟我爸没关系…赶紧匿了），所以我从小耳濡目染见过历史上很多艺术家的画得很“奇怪”或是说“扭曲”的作品，我一直觉得可能是因为那些画家当时处于的年代都太乱了（我乱猜的…
复制我的长微博&br&近几天沉浸在裱画的乐趣里了！无心做正事 _(:3 」∠)_随决定把之前拍的过程整理出来与君分享。说是装裱其实只是传统装裱中的“托心”的步骤！但是做完托心，卖相就已经提升很多啦，自己装框也可以。&br&&br&话说三分画七分裱，尤其是像国画的材料浸过水之后纸变得特别皱，简直没法接受，心情都变坏了！我一边回忆小时候学过的装裱，一边查书。自豪的是目前成功率100%嘿嘿。&br&&br&&figure&&img src=&/82eb8cf3b8ddaa9ded4f13_b.jpg& data-rawwidth=&600& data-rawheight=&600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&600& data-original=&/82eb8cf3b8ddaa9ded4f13_r.jpg&&&/figure&&br&1、准备材料：&br&&blockquote&浆糊（我贪污用了MantouStudio公家的小浆糊哈哈）&br&排刷&br&敞口的容器&br&喷壶&br&玻璃窗&br&桌面&br&当然你还要先有一张画&/blockquote&&figure&&img src=&/9d8f8c62a56001d1daf17_b.jpg& data-rawwidth=&600& data-rawheight=&600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&600& data-original=&/9d8f8c62a56001d1daf17_r.jpg&&&/figure&&br&2、喷水。&blockquote&将画心（就是画）反铺在干净的桌面上。（我用的纸太薄啦所以反面看起来没区别。。。）&br&让画心湿润，这时候宣纸摸起来很柔弱并且已经平整啦。这叫伸伸腰~&/blockquote&&figure&&img src=&/b1f119aa90c82e410d42e1_b.jpg& data-rawwidth=&600& data-rawheight=&399& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&600& data-original=&/b1f119aa90c82e410d42e1_r.jpg&&&/figure&&br&3、调浆糊水。&blockquote&小罐的浆糊太稠不能直接上，所以就要在容器里加水调和。&br&调成像浓米汤一样的状态就可以用啦。&br&调的量根据画心的大小决定~&/blockquote&&figure&&img src=&/697be4f4ca1d6ec2ba10925_b.jpg& data-rawwidth=&600& data-rawheight=&600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&600& data-original=&/697be4f4ca1d6ec2ba10925_r.jpg&&&/figure&&br& 4、刷浆糊水。&blockquote&用排刷米字形向四周刷，让画心贴合在桌面上。&br&如果有气泡要用排刷“赶”出去。&br&把浆糊水均匀的刷在画心背面，不要有积水之类的。&/blockquote&&br&&figure&&img src=&/ac85cdb5b28b9171144ba_b.jpg& data-rawwidth=&600& data-rawheight=&399& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&600& data-original=&/ac85cdb5b28b9171144ba_r.jpg&&&/figure&&br&5、贴托纸。&blockquote&托纸就是裱在背面的一张底纸，我用的纸与我的画的纸是一样的。从一头先贴，还是保证里面没有气泡。（贴过海报的同志都懂得）&br&托纸一般要用比画心大一圈的纸，看到后面的步骤，君就知道为什么了。&/blockquote&&br&&figure&&img src=&/2c7ce01eae65772eee4d39cc_b.jpg& data-rawwidth=&2048& data-rawheight=&1363& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&2048& data-original=&/2c7ce01eae65772eee4d39cc_r.jpg&&&/figure&&br&托纸贴好啦。&br&&blockquote&还是均匀、无气泡、紧实。&/blockquote&&br&&figure&&img src=&/dbcd36f8_b.jpg& data-rawwidth=&600& data-rawheight=&600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&600& data-original=&/dbcd36f8_r.jpg&&&/figure&&br&6、四周刷浆糊。&br&&blockquote&在四边涂浆糊，尽量涂窄一些。&br&如果你的托纸大一圈的话，就可以只涂在托纸上啦。&/blockquote&&figure&&img src=&/d2588df79ccacd5a497dfbc1f1dc3910_b.jpg& data-rawwidth=&2048& data-rawheight=&1410& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&2048& data-original=&/d2588df79ccacd5a497dfbc1f1dc3910_r.jpg&&&/figure&&br&7、上窗。&br&&blockquote&小心翼翼的把画揭起来，有时候两层纸没一起起来，就用手挑一下。&br&画正面面向自己贴。（因为与在桌子上的面不一样，建议左手揭起右上角，右手揭左上角）&/blockquote&&br&&figure&&img src=&/bed822e522d066c471cf94_b.jpg& data-rawwidth=&600& data-rawheight=&600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&600& data-original=&/bed822e522d066c471cf94_r.jpg&&&/figure&&br&8、刷贴服。&br&&blockquote&用排刷“不”字形把画贴到玻璃上，仍然平整、无气泡。&br&（图中黄色圈起来的地方可以看到跑色了，一般宣纸和墨色结合的很好不会跑色，这个地方我可能是画的太重了，有的墨块颗粒浮在表面。）&br&接下来就是等晾干啦，传统装裱一般要晾半月，让纸充分干燥拉平。&/blockquote&&figure&&img src=&/0b077d8bbe4_b.jpg& data-rawwidth=&600& data-rawheight=&517& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&600& data-original=&/0b077d8bbe4_r.jpg&&&/figure&&br& 9、快干窍门&br&&blockquote&在上玻璃之前，拿两个小纸片贴在刷好浆糊的两侧。&br&这样在晾干过程中会形成一个上下的通路，俗称烟囱。。会干得比较快一些&br&（有时候纸张韧性不好，中间干的快、四周干的慢，会把纸挣裂。为避免这个，可以贴到玻璃上之后，用喷壶在画中间再喷一点水。）&/blockquote&&br&&figure&&img src=&/b4e7b840a4d00ccfe6bee2a6541bec70_b.jpg& data-rawwidth=&600& data-rawheight=&600& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&600& data-original=&/b4e7b840a4d00ccfe6bee2a6541bec70_r.jpg&&&/figure&&br& 10、取下画来&br&&blockquote&我这个画隔了两天就被我取了下来。&br&取得时候，用尺子比着，把四周涂过浆糊的部分留在玻璃上，中间小心一点揭下来。&br&这也是为什么托纸要比画心大一圈～&br&最后记得用湿抹布把玻璃清干净~下次接着用&br&平整的画看着就是舒服！觉得构图有点问题，我又把下面多裁掉一些~&/blockquote&&figure&&img src=&/ef5e99a514_b.jpg& data-rawwidth=&2048& data-rawheight=&1329& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&2048& data-original=&/ef5e99a514_r.jpg&&&/figure&&figure&&img src=&/be4c6cec_b.jpg& data-rawwidth=&1390& data-rawheight=&1045& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1390& data-original=&/be4c6cec_r.jpg&&&/figure&做个小广告：&br&欢迎关注我的工作室MantouStudio~
复制我的长微博 近几天沉浸在裱画的乐趣里了！无心做正事 _(:3 」∠)_随决定把之前拍的过程整理出来与君分享。说是装裱其实只是传统装裱中的“托心”的步骤！但是做完托心，卖相就已经提升很多啦，自己装框也可以。 话说三分画七分裱，尤其是像国画的材料浸…
如何评价，主要是好不好。评价好不好就要知道什么叫好，那我们就要建立标准。&br&中国书画表现的哲学历来是老庄一派，从谢赫六法以来，历来讲究气韵生动，讲究书画同源，以用笔为先。如果不能理解这种哲学基础，就没办法理解中国画的好坏。&br&具体的独特，承上启下等等实在没办法用短文说清楚，那需要引用大量的画作对比。&br&我只说一点，齐白石的画很好玩。&br&在齐白石的笔下，几乎无不能入画者。耙子、算盘等等，每件东西都能赋予他们让人心动的意义。&br&比如下面这张画，只是很简单的两个藕一个莲蓬，但因为题的两行字，让这张画的感觉一下子不同起来。&br&&figure&&img src=&/bdb8ef4b1_b.jpg& data-rawwidth=&1000& data-rawheight=&3144& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1000& data-original=&/bdb8ef4b1_r.jpg&&&/figure&&br&&br&&br&如果说你不能感觉到题字带给人的心动，说实在话，你需要从比较基础的地方开始学习起，我相信没有谁可以在这里用短短的一篇文章让人感受到画的力量。&br&&b&赏画是一种文史哲综合的感觉，不是人们故意用玄幻的词语来讲画，因为不可能用简单直接的话来形容画的感觉。老子开篇第一句就是“道可道，非常道”，我们怎么可能道出画中的妙处呢？&/b&&br&&br&&br&&figure&&img src=&/c98afd37f7abbd02c8ce2b2e71bf87a6_b.jpg& data-rawwidth=&383& data-rawheight=&690& class=&content_image& width=&383&&&/figure&&figure&&img src=&/c93bb5fafa2_b.jpg& data-rawwidth=&282& data-rawheight=&1093& class=&content_image& width=&282&&&/figure&&br&&br&&figure&&img src=&/4f2e88b7a7f097a2cf1285affe1d7db7_b.jpg& data-rawwidth=&800& data-rawheight=&604& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&800& data-original=&/4f2e88b7a7f097a2cf1285affe1d7db7_r.jpg&&&/figure&&figure&&img src=&/91ab25b8f916e78c451a46_b.jpg& data-rawwidth=&700& data-rawheight=&1877& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&700& data-original=&/91ab25b8f916e78c451a46_r.jpg&&&/figure&&figure&&img src=&/5f31f29f45fd3_b.jpg& data-rawwidth=&422& data-rawheight=&577& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&422& data-original=&/5f31f29f45fd3_r.jpg&&&/figure&&figure&&img src=&/724d83ed6dbcddd3c8cd63_b.jpg& data-rawwidth=&500& data-rawheight=&872& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&500& data-original=&/724d83ed6dbcddd3c8cd63_r.jpg&&&/figure&
如何评价，主要是好不好。评价好不好就要知道什么叫好，那我们就要建立标准。 中国书画表现的哲学历来是老庄一派，从谢赫六法以来，历来讲究气韵生动，讲究书画同源，以用笔为先。如果不能理解这种哲学基础，就没办法理解中国画的好坏。 具体的独特，承上启…
读了三遍题目——刀笔油画培训班。油画两个字写的大大的。而刀笔油画，用的就是油画颜料，而会采用一些国画画法。以下我展示的第二幅就是一副典型的刀画山水。&br&&br&非要在知乎上打广告的，默默打好了，不欢迎喷子。&br&——————————————————————&br&小心入坑啊！零基础学刀画就是一个销售噱头！这里我必须澄清，这些机构不得害人了！&br&&br&刀画是油画里面一种比较高级的画法。除了掌握用刀技法，还必须对素描明暗非常熟悉。&br&&br&用刀一点也不简单，用刀背面，侧面，大面积刮，小面积刮。大号刀，小号刀，效果完全不同！这需要练习，但练习没有用，因为你不懂——&br&&br&什么时候该怎么用？&br&&br&怎么知道什么时候该怎么用？&br&例如，刷背景的时候用大刀，刻画人物细节或房屋细节用小刀。刻画梦幻效果，或者草树，有多种元素时，会把很多颜色抹在刀的侧面，一起刷，刷出来是很神奇的颜色层次和丰富度厚度，笔做不到这样的效果。&br&&br&用刀表现明暗&br&这个就难了，不是会不会刀的问题，而是有没有素描基础的问题。用画笔表现明暗比刀简单，因为画笔可以抹开，灰部容易过度，而刀画一刀下去，是肯定的一笔，如果对明暗和色彩不敏感，出来的效果就很突兀很脏。&br&&br&只有对色彩，调色，明暗灰调有高度理解，你用刀才不会乱用。&br&&br&上一副自己的刀画。石头是刀画，水是笔刷。&br&石头用刀能有坚固硬朗的效果，当然，石头有明显的结构明暗，用刀刮出石头的厚度。&br&&figure&&img src=&/v2-cd1f06e708f2_b.png& data-rawwidth=&984& data-rawheight=&738& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&984& data-original=&/v2-cd1f06e708f2_r.png&&&/figure&&br&我这幅也很多用刀处。背景，水，房子，山脊。刀能画出气势，是笔的细腻不能做到的，棱角分明，或气势磅礴的风景背景，适合用刀。前提是，把握刀，不能把画面弄乱弄脏。&figure&&img src=&/v2-191ef35ca3ffe96ad1f4ed_b.jpg& data-rawwidth=&1536& data-rawheight=&2048& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1536& data-original=&/v2-191ef35ca3ffe96ad1f4ed_r.jpg&&&/figure&上周认识一位老师，用刀的高手，他的刀用在人物背景和衣服，造势，动感。上他的作品，(拍的不太好，原图颜色好的多)。背景用大刀，一气呵成刷出气势(不是乱刷无规律，有气在里面。像国画)，后人物衣服也用厚厚的颜料，用刀刮出立体感和神秘感，和背景连成一气！&br&&figure&&img src=&/v2-fdd90c003c7e39b_b.jpg& data-rawwidth=&1536& data-rawheight=&2048& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1536& data-original=&/v2-fdd90c003c7e39b_r.jpg&&&/figure&当然最常见是用刀画房子，雪，石头等一些必须用厚度撑起立体感的。用刀是一门艺术，什么时候厚，什么时候薄，对应什么时候用刀，什么时候用大刷子，要造什么势，要表现什么气，而刀用法是全然不同的。&br&&br&刀——用的好，就是出神入化！&br&&br&So，零基础？！kidding?&br&很多美术专业生画了很多年都掌握不好刀。&br&So？除非那个教刀画零基础的老师是大神级别，除了自己掌握刀，还能让学生跳过素描基础，色彩基础，写生等等，直接用刀一步到位！还不会英文字母就能把英语说成腐国人！&br&&br&还有一种可能，就是真的教特别简单的刀画，例如画两个房子，刮一些后现代作品，刮个蓝天和草地，涂个鸦。&br&&br&可是如果真是这样，没有必要专门去学，体验一两次就够了。&br&因为你会知道，刀，只是一种形式，锦上添花和做效果的技法，没有基础和审美做垫脚石，要技法有何用？
读了三遍题目——刀笔油画培训班。油画两个字写的大大的。而刀笔油画，用的就是油画颜料，而会采用一些国画画法。以下我展示的第二幅就是一副典型的刀画山水。 非要在知乎上打广告的，默默打好了，不欢迎喷子。 —————————————————————…
展可以看的东西很多，就算学艺术史也不要求会画画。&br&从作品角度，有条件的可以提前做一点功课，网上搜一下作者的生平和主流评价，然后把这些评价代入自己看到的作品看看是不是和自己感受符合。&br&另外特展几乎都有主题，展线上的展品会共同构建出这一主题的框架，所以即使完全不知情，也可以根据展板的导览体会到展览主题，甚至可以思考批评哪些地方做的不够好展品布置逻辑不够清晰。&br&此外，也可以看“展览”，观察展览的文字，布置，甚至灯光，体会策展人目标受众和企图引起的讨论，然后观察观众到底有没有产生共鸣。&br&然后很多古代展（其实包括很多现当代）都会有特定着重的时间区间，你也可以通过展览的展品去想象当时的社会文化，包括现当代，你看到展品的年代，结合当时的时代背景，有时候也能有一些意想不到的联系。&br&现代博物馆的功能现在本身不局限于美育，所以不要被固有观念束缚，看不懂笔触，觉得不好看的时候可以想想那么博物馆放它进展是基于什么样的考虑，看到作品后自己的感受和主流评价不符合的时候去思考一下为何会这么评论，评论产生的时间点是不是有特殊的历史情境，甚至光看观众的反应都可以联想博物馆作为权力机构与观众产生的互动。&br&&br&其实展览能看得东西很多，通常情况下都是时间体力不够看不完，而且现在展览不再唯美而论，完全可以跳脱出博物馆只展示艺术杰作的圈子，就算找找展览里逗逼的形象本身也是乐趣之一呀，只要有收获就行，就算是收获了片刻宁静或者一点精神的安逸不也挺好嘛。
展可以看的东西很多，就算学艺术史也不要求会画画。 从作品角度，有条件的可以提前做一点功课，网上搜一下作者的生平和主流评价，然后把这些评价代入自己看到的作品看看是不是和自己感受符合。 另外特展几乎都有主题，展线上的展品会共同构建出这一主题的框…
这个问题我挺感兴趣，但我美术史不是特别好，而且没人答，我就来逞强一下，希望能抛砖引玉。&br&&br&既然题主走南闯北看过这么多展，对美术史应该有所了解，可这个问题问的有点不妥。&br&&br&题主看了很多威尼斯画派画，包括马奈在总督府的展，那肯定是在威尼斯双年展期间去的意大利才了解到的。然后又再应该看了威尼斯画派的展，既然你都到英国了，你怎么不看透纳的画，或者康斯泰博尔的画？尤其透纳，那的画难道不比威尼斯更重色彩，更重颜色，更奔放的笔触吗？相对在威尼斯画派中，乔尔乔涅素描很好，提香的造型略差（米开朗基罗说他素描不行），但色彩非常漂亮。他们对后来这几位产生了很大的影响，而威尼斯画派也是发展到丁托莱托后就不再活跃了，因为巴洛克时代已经来了。&br&&br&&b&委罗内塞&/b&&br&&br&&br&&b&&figure&&img src=&/eaa713f07eae2b34d4131_b.jpg& data-rawwidth=&750& data-rawheight=&510& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&750& data-original=&/eaa713f07eae2b34d4131_r.jpg&&&/figure& 这时的颜色已经非常淡雅，还有那清澈的天空。&/b&&br&&br&&br&&b&科雷乔&/b&&br&&br&&br&&figure&&img src=&/cdf61c4f0fac3_b.jpg& data-rawwidth=&750& data-rawheight=&1843& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&750& data-original=&/cdf61c4f0fac3_r.jpg&&&/figure&&br&&br&&b&他的画在荷加斯的讽刺画中出现过，可见他这种带巴洛克风格的画对英国人影响很大，因为英国就是个岛国，更容易受影响。&/b&&br&&br&&br&&figure&&img src=&/4304acb7a4496dcdf330cb_b.jpg& data-rawwidth=&560& data-rawheight=&432& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&560& data-original=&/4304acb7a4496dcdf330cb_r.jpg&&&/figure&&br&&br&&b&除了左上角那幅画属于右下角律师的自画像以外，那三幅都是科雷乔的。因为荷加斯的画经常充满隐喻，这里引用科雷乔就是因为他的巴洛克倾向和他生动的画面相符合。&/b&&br&&br&&br&&b&丁托莱托。&/b&&br&&br&&br&&figure&&img src=&/99d133ed8522586aac770a_b.jpg& data-rawwidth=&900& data-rawheight=&1004& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&900& data-original=&/99d133ed8522586aac770a_r.jpg&&&/figure&&br&&br&&b&从此节操是路人。&/b&&br&&b&巴洛克要开始啦！&/b&&br&&br&&br&要说这里跟印象派有什么关系，我实在找不出什么明显的关系，威尼斯画派其实是最早开始运用尼德兰传来的油画技法进行创作的，可见有一点的前卫性（这是相对来说的）画风也独树一帜，这一点勉强和印象派沾边。卡拉瓦乔作为巴洛克的开山怪，对后世影响也很大，虽然他生与米兰，去过罗马，但据说他去过威尼斯，因为他的画其实很像乔尔乔涅，后来他到处流浪，在回罗马的路上死于西班牙流感。这是威尼斯画派和巴洛克的关系。&br&&br&再后来经历了漫长的变迁，除了之前的枫丹白露画派，后来的荷兰画派等都受法国威尼斯画派的影响。&br&&br&快进到18.19世纪的英国，在雷诺兹当院长的时候，肖像人物画是英国的王道，但是雷诺兹接收了一个天才以后，事情就发生了变化。&br&&br&&b&他就是透纳。&/b&&br&&br&&br&&figure&&img src=&/85ed028ec34fbfcd350c17a5_b.jpg& data-rawwidth=&500& data-rawheight=&369& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&500& data-original=&/85ed028ec34fbfcd350c17a5_r.jpg&&&/figure&&br&&br&这幅画在大都会精品展的时候见过，美的简直无法形容！&br&&br&颜色及其单纯透亮，水汽效果非常逼真，而建筑，船舶等都画的巨细，他肯定受了威尼斯画派的影响。&br&&br&而且透那是个离群索居的天才，自己在海边有专门的工作室，外面还有个小情妇，专注的画画。&br&据说他后期直接用指头画画，戳画布，为了塑造画面的水汽效果，运用各种手法。&br&&br&然后再快进，到印象派。虽然印象派在法国出现，但英国的印象派也有着相应的发展。&br&&br&印象派大家都知道，喜欢出去画，喜欢外光，喜欢即时性的色彩，其中又像德加那样偏造型的，也有像莫奈那样不考虑型的。&br&印象派的活动还跟一件事情有关，喜欢出去玩在巴比松画派等现实主义风行的时候就已经有了，&br&其中最重要的原因是软管颜料的发明。以前也有人想出去画，可是颜料怎么带，到18世纪40年代后软管颜料普及，大家想去哪就去哪了。如果威尼斯画派的人用软管颜料肯定也东奔西跑的去画画了。&br&&br&英国印象派之前最强的画派就是维多利亚时期的拉斐尔前派了，虽然拉斐尔前派以人物为主，但风景也有很多写生的成分在里面。&br&&br&印象派你看了展，肯定很熟悉了，其实并不是威尼斯画派影响了印象派。这俩画派查200多年，起源地也不一样，产生的背景也不尽相同，只是时代的变迁，慢慢影响着每一代的艺术家，才形成了印象派那样的风格。&br&&br&逻辑有点乱，望指正。。
这个问题我挺感兴趣，但我美术史不是特别好，而且没人答，我就来逞强一下，希望能抛砖引玉。 既然题主走南闯北看过这么多展，对美术史应该有所了解，可这个问题问的有点不妥。 题主看了很多威尼斯画派画，包括马奈在总督府的展，那肯定是在威尼斯双年展期间…
记得有古话说到：&br&&blockquote&&b&“一年菊，三年梅，十年竹，一世兰”&/b&&/blockquote&&i&　　大致如此吧，记不太清了。&/i&&br&意思是说——&br&&blockquote&学水墨花鸟画中的梅兰竹菊，一年时间基本就能掌握画菊花的要领，画梅花则至少三年，画竹更难，要用十年时间去摸索竹的气节，但画兰花，则要用一辈子时间去理解兰花的从心所欲，理解越深，画出来的兰花就越有灵气，意境的表达也就越深远。&/blockquote&&br&对于花鸟画来说，这种规矩并不仅限于水墨画，工笔画也类似。&br&&br&也就是说，作为画者，先要去理解花鸟画中各种植物所代表的内涵（即画者自身的文化底蕴），然后在绘画时先要靠整体造型去表现植物的气质，然后才是色彩的衬托。&br&中国画的特点是&b&“线条造型”&/b&而非&b&“色彩造型”&/b&，因此线条的意境与美观才是决定一幅画意境的关键所在。&br&如果线条所塑造的植物本身美感不足，那么再如何上色也不会让这幅画表达出它本该表达的意境。&br&线条的使用也必须遵守构图规范，否则反而不美。&br&&br&譬如你提到的古诗词之类，其中大量凸显的是古代诗词作者的&b&“&/b&文人气韵&b&”&/b&，这类东西如果用中国画去表达，更适合水墨画中的&b&“&/b&文人画&b&”&/b&，比如小写意的花鸟画、景物画、山水画等，而不是工笔画。&br&当然，并不是不能用工笔画去表达，但若一定要用工笔手段，首先必须注意笔墨线条的美感，然后才是色彩。&br&而且文人画对色彩使用的要求很严格，必须以&b&淡雅&/b&为主，避免使用过于艳丽、招摇的色彩，主色调应当以多重&b&“&/b&复色&b&”&/b&（三四种颜色调和，或通过晕染或罩染的手段进行叠加，类似色彩画中的&b&“&/b&高级灰&b&”&/b&）为主，这样才能显出画面色彩的&b&“&/b&雅气&b&”&/b&，以突出画面诗般的意境。&br&&i&（不得不说，当代不少工笔画作品常以色彩鲜艳&b&“&/b&著称&b&”&/b&，从某种角度看，也算是迎合了部分大众欣赏口味，事实上这种艳丽的工笔画色彩恰恰显出&b&“&/b&媚俗&b&”&/b&的气质，脱离了&b&“&/b&文人&b&”&/b&风范，反而匠气十足。）&/i&&br&工笔画在用色方面，除非需要作为视觉中心的局部细节会用较为鲜艳的色彩，其余的色彩均要调入适量墨色以降低该颜色的饱和度，让色彩呈现一种沉着典雅的效果；同时务必追求画面整体色调的统一，色彩使用上尽量以少胜多，不要使用过多颜色，反而会使得画面色彩杂乱。&br&&br&例如：&br&下图是一幅用涂鸦软件仿照工笔画效果绘制的玉兰花。画面非常简单，就是一枝玉兰花枝，从构图上讲，一朵开放的花和一朵未开的花苞相呼应，开放的花朵为大色块，花苞为小色块，两者映衬；色调也很统一，首先花朵并不是纯白色，而是一种很浅的灰绿色，同时花朵的阴影部分也是有层次的灰绿变化，就连枝干的色彩也是与整体色调相协调的生褐色（生褐色是一种偏绿的棕褐色，与偏红的熟褐不同）；背景为了突出花朵，使用了一种很沉着的灰绿，统一在绿灰色调里；唯一的亮色是左下角的红色印，印章作为画面的组成部分，其色彩也要参与画面的整体塑造。印章上方的黑色落款是拉住整个画面，使构图更显平衡。&br&（&i&抱歉，为尊重作者隐私所以落款和印章打了码，但没改变颜色&/i&）&br&&figure&&img src=&/8d5a8ca47597f6ecb7d876ddb04e5248_b.jpg& data-rawwidth=&834& data-rawheight=&902& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&834& data-original=&/8d5a8ca47597f6ecb7d876ddb04e5248_r.jpg&&&/figure&（图片摘自网络）&br&&br&&b&注：&/b&&br&&b&在画中国画不管是水墨画还是工笔画时，务必把落款、印章等内容作为画面的整体内容，一同考虑进去，切不可不给落款和印章留下它们应有的空间，以至于最后加上的这些内容成为画面的累赘！！！&/b&&br&&br&&br&综上，&br&　　用工笔花鸟画来表达诗词意境，首先要注意&b&画面构图&/b&，比如画面中物像的平衡、穿插、呼应等务必遵守构图的规矩；然后是&b&线条&/b&的意韵表达，即&b&线条的造型以及美感&/b&；最后才是&b&色彩&/b&的使用，尽量以淡雅、沉着为主，忌大量使用艳丽色彩。&br&&br&&br&&br&就这样吧。&br&以上&br&
记得有古话说到： “一年菊，三年梅，十年竹，一世兰” 大致如此吧，记不太清了。 意思是说—— 学水墨花鸟画中的梅兰竹菊，一年时间基本就能掌握画菊花的要领，画梅花则至少三年，画竹更难，要用十年时间去摸索竹的气节，但画兰花，则要用一辈子时间去理解…
问题主要是白色的衣服+白色的花纹。&br&&br&我建议画成刺绣、褶皱等可以画阴影的材质，具体可看各类纯白色lolita裙装。&br&&br&顺手画了一只，动作选得不太好……就看整体效果吧。&br&&figure&&img src=&/406beaa40ac4bf7ebba357c_b.jpg& data-rawwidth=&375& data-rawheight=&600& class=&content_image& width=&375&&&/figure&
问题主要是白色的衣服+白色的花纹。 我建议画成刺绣、褶皱等可以画阴影的材质，具体可看各类纯白色lolita裙装。 顺手画了一只，动作选得不太好……就看整体效果吧。
因为塞尚不在意透视的精确度吧，这里提供一个理解他的方法，就拿这幅静物来说，&br&&figure&&img data-rawwidth=&400& data-rawheight=&300& src=&/66f8b3cbe3d1d9cde9a7_b.jpg& class=&content_image& width=&400&&&/figure&&br&当你在看原景物时，挡住右眼，看到的是画中的左边部分；挡住左眼，看到的是画中的右边部分。两只眼睛同时看的时候，景物就立体起来了，但塞尚偏没有从透视入手，而且巧妙的把两只眼睛的视角结合起来了。&br&后来毕加索变本加厉，变成了这样&br&&figure&&img data-rawwidth=&279& data-rawheight=&400& src=&/37becfbc47ccef37316fd3e_b.jpg& class=&content_image& width=&279&&&/figure&&br&也可以用多重视野的理论理解吧。&br&至于你说的大浴女，就已经完全实践了塞尚自己说过的：“线是不存在的，明暗也不存在，只存在色彩之间的对比。物象的体积是从色调准确的相互关系中表现出来”。这已经给立体主义定了一个较为清晰的方向了。&br&我非常赞同他的理论：“画画并不意味着盲目地去复制现实，它意味着寻求各种关系的和谐。”于是从塞尚开始，大家从追求真实地描画自然，开始转向表现自我，并开始出现形形色色的形式主义流派，形成立体主义等等现代绘画的潮流。
因为塞尚不在意透视的精确度吧，这里提供一个理解他的方法，就拿这幅静物来说， 当你在看原景物时，挡住右眼，看到的是画中的左边部分；挡住左眼，看到的是画中的右边部分。两只眼睛同时看的时候，景物就立体起来了，但塞尚偏没有从透视入手，而且巧妙的把…
泻药。&br&占坑待我拍照…&br&&figure&&img data-rawheight=&1936& data-rawwidth=&2592& src=&/0a7be09bcff69ef_b.jpg& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&2592& data-original=&/0a7be09bcff69ef_r.jpg&&&/figure&&br&&br&松鼠毛的笔拉斐尔803，很好用，中等价位吧，便宜一点有802，华虹500。&br&&br&&figure&&img data-rawheight=&2592& data-rawwidth=&1936& src=&/73becacfffb9cb29_b.jpg& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1936& data-original=&/73becacfffb9cb29_r.jpg&&&/figure&&br&&br&小的笔，梵高和伦勃朗6号是买颜料送的… 自己买了根温莎7，用着不错… &br&华虹的一些笔性价比就不错… 举例大约一百块的华虹能发挥二百块的笔的百分之八九十的性能…&br&豆瓣有人研究这个…&figure&&img data-rawheight=&2592& data-rawwidth=&1936& src=&/b1cf0cac6fa841df24689e_b.jpg& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1936& data-original=&/b1cf0cac6fa841df24689e_r.jpg&&&/figure&&br&&br&别心疼钱…&br&&figure&&img data-rawheight=&2592& data-rawwidth=&1936& src=&/9b1a6ea77ca34e2b0eeeb9_b.jpg& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&1936& data-original=&/9b1a6ea77ca34e2b0eeeb9_r.jpg&&&/figure&&br&&br&booooooooooom！
泻药。 占坑待我拍照… 松鼠毛的笔拉斐尔803，很好用，中等价位吧，便宜一点有802，华虹500。 小的笔，梵高和伦勃朗6号是买颜料送的… 自己买了根温莎7，用着不错… 华虹的一些笔性价比就不错… 举例大约一百块的华虹能发挥二百块的笔的百分之八九十的性能…
不仅是往看不懂的方向发展，更是往想不通的方向发展。当绘画不再把能不能让人看懂作为作品的主要评判标准时绘画变成了艺术。当艺术不再把能不能让人从中悟出真理（比如某种纯粹的美之类的东西）作为作品的主要评判标准时艺术变成了观念艺术。绘画不再考虑能不能看懂的问题，是因为没有考虑的必要，用照相机（摄像头，手机）傻子都能轻易弄出让人看懂的图片出来。至于真理，傻子才相信存在真理，所以也就不用考虑让人悟?悟的事了。现在想看懂—幅画，要做的不是搞清楚画里的是谁或什么在干什么，而是作者因为什么弄出了这样的画面出来，他在干什么，想干什么，为什么？&br&重要的不再是画里面的内容，也不是画面承载的某种真理，是作者对世界的思考。
不仅是往看不懂的方向发展，更是往想不通的方向发展。当绘画不再把能不能让人看懂作为作品的主要评判标准时绘画变成了艺术。当艺术不再把能不能让人从中悟出真理（比如某种纯粹的美之类的东西）作为作品的主要评判标准时艺术变成了观念艺术。绘画不再考虑能…
&strong&-看的东西- &/strong&参看文学、哲学、美学、心理学的理论书籍，翻看不同画派东方西方各时期画作，除流行音乐以外各种类型音乐如古典、独立、摇滚、电子、朋克、硬核、实验等，看文艺、伦理、实验各类电影。&br&（推荐宗白华先生的美学三步曲，罗素的《西方哲学史》，诺贝尔文学奖作者书籍，虽然有的比较阴暗...）&br&&br&&strong&-平时生活- &/strong&没事就听音乐，周末或闲暇时跑各类展览，有音乐剧、话剧和舞台剧上映的时候就一周去一次，定期订阅艺术及设计杂志，学习一门乐器或者绘画方法，弄一个喜欢的白页本子随时写写画画，旅行时最好不跟团和同伴感受当地生活、特色、艺术人文。还有就是随性，自由。在枯燥的生活中充满选择性。&br&（推荐杂志：《VISION》《Toliet Paper》《I-D》《PAGE》《U+A》等）&br&&br&&br&在自己乱唱乱画的时候不要觉得尴尬去打断自己。东西用好的有质感的，少买但一定要买好的，宁缺毋滥又环保。住的居所是空间，经常变化变化，除了睡觉吃饭，还是这世界上你最可以自由发挥的地方。&br&&br&所有习惯从小开始就好了，国外的小朋友都是美术馆长大的，咱们现在也有这个条件了。
-看的东西- 参看文学、哲学、美学、心理学的理论书籍，翻看不同画派东方西方各时期画作，除流行音乐以外各种类型音乐如古典、独立、摇滚、电子、朋克、硬核、实验等，看文艺、伦理、实验各类电影。 （推荐宗白华先生的美学三步曲，罗素的《西方哲学史》，诺…
（谢邀）&br&很同意 &a data-hash=&8a6d842e48e39a12fb5c& href=&///people/8a6d842e48e39a12fb5c& class=&member_mention& data-editable=&true& data-title=&@何竟宁& data-tip=&p$b$8a6d842e48e39a12fb5c& data-hovercard=&p$b$8a6d842e48e39a12fb5c&&@何竟宁&/a&的观点：&blockquote&能超越的只有技术，艺术无法超越。&br&&/blockquote&上面 &a data-hash=&a4a42077dcae09ca1c3e93ab& href=&///people/a4a42077dcae09ca1c3e93ab& class=&member_mention& data-editable=&true& data-title=&@程钰博& data-tip=&p$b$a4a42077dcae09ca1c3e93ab& data-hovercard=&p$b$a4a42077dcae09ca1c3e93ab&&@程钰博&/a& 提到了维米尔，非常赞同。维米尔对于室内日光的描绘和空间感把我的非常好，每一幅作品都各有特色，晨昏昼夕和强弱明暗的变化都展现的十分到位。&br&&br&除了维米尔以外我再推荐一位和伦勃朗差不多是同时代的画家，和喜欢描绘自然光日光的维米尔不同，他更擅长表现摇曳的烛光，布光非常有特色，就是乔治·德拉图尔（Georges de La Tour）。&br&&br&乔治德拉图尔是法国作家，和伦勃朗宏大的布光效果比起来他的画作更倾向于小而美，尽精微描绘光影下每样物品的变化。他的画作特色就是一盏烛光为光源，因此强烈的表现出亮度和阴影的对比。&br&&br&如下代表作之一：《木匠圣约瑟》&i&Joseph the Carpenter&/i&。图片没找到太清晰的。整体画面都是处于暗处，唯一的点状光源在耶稣基督的手心内侧。木匠的眼睛透出的光，几百年后还是那么慈祥明朗。耶稣烛光下半透明的手指，第一次看到真的被这个细节折服。两位人物面部一明一暗，整个画面的光源只有一处，却营造出了丰富的层次和对比。&br&&br&不过说起和伦勃朗的区别话，大概就是乔治德拉图尔的作品让人有一种置身事外的感觉——好像你在窗边看到这静谧一幕，烛光的运用让画面更加内敛。而伦勃朗对于光线的处理更加外展，他的作品的光源在画的外面，让观者有种身临其境的参与感。&br&&br&&figure&&img src=&/12dec495489bffe8274d0_b.jpg& data-rawwidth=&640& data-rawheight=&875& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&640& data-original=&/12dec495489bffe8274d0_r.jpg&&&/figure&&br&忏悔的抹大拉&i&The Penitent Magdalen&/i&&br&&figure&&img src=&/81bedf17338dbcb966469aeccb88f73d_b.jpg& data-rawwidth=&613& data-rawheight=&898& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&613& data-original=&/81bedf17338dbcb966469aeccb88f73d_r.jpg&&&/figure&&br&乔治德拉图尔后期加入方济各会，即便是宗教题材作品风俗画意味也是愈发浓厚。
（谢邀） 很同意 的观点：能超越的只有技术，艺术无法超越。 上面
提到了维米尔，非常赞同。维米尔对于室内日光的描绘和空间感把我的非常好，每一幅作品都各有特色，晨昏昼夕和强弱明暗的变化都展现的十分到位。 除了维米尔以外我再推荐一位…
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