了解各流派的特点，学会辨别一幅画作是属于哪个流派的（多图）
如何辨别一幅画作属于哪个派别？
想象这样的场景：
你到朋友家做客，透过磨砂玻璃远远看见一幅名不见经传的画，你略微一笑，云淡风轻道：原来你也喜欢 XXX 主义啊！
逼格这么高的技巧怎么可能用一条知乎答案的时间学会！
但对非艺术史专业的人来说，先对各流派显著特点了解是有意义的，因为理解了【这幅画为什么是这样的】，【这种技巧突出表现的是什么】再大量的看才会事半功倍嘛~
这条答案大概把每个流派分成三步回答：
表征：看上去比较 XXX
哲学：之所以看上去 XXX 的原因和背后的逻辑
代表作：画 A 看上去如何 XXX，画 B 如何 XXX，看多了就差不多有个感觉了。
另外赞同 @翁昕 先生说的，应该因为享受艺术而爱艺术，不要受流派所教条。不太同意把某个画家套到一个流派中来记的方法。用一个标签套一群人有点简单粗暴。我们与其问：他属于哪个流派？不如问：他如何影响 / 开创 / 借鉴了这个流派？仅做参考。
表征：微妙光影的感官捕捉；色彩偏明快，笔法偏松散。
哲学：莫奈说：我不画什么实体，我只看到有颜色的实体&，被称为plein air技法，不可谓不妙。他们对于艺术作品的叙事性和价值观不感兴趣，他们感兴趣的是艺术品【如何捕捉感官印象】并激发对光影、运动细腻体验。
代表作：莫奈（）《鲁昂大教堂》系列
时常觉得莫奈的画像透过雨水洗刷的玻璃般朦胧。莫奈从几乎同一个角度画鲁昂大教堂 30 次，用同一件物体每次都有不同呈现暗示了印象派的哲学：一个物体没有所谓客观展现，我们能看到的只是不同感官印象。
再比如雷诺阿（）这幅《煎饼磨坊的舞会》，仿佛如仲夏夜之梦一般明快。注意看画面中的闪烁的颜色，有没有一种阳光透过树叶的缝隙洒下的微醉？而松散模糊的笔触也对应着舞会中轻快的节奏。
再比如德加（）的《星》，强调的是那一瞬间的感官体验
新印象派：新印象派是印象派的直系亲属，但又有所不同。相较于印象派，新印象派不那么注重瞬间的感官印象，而是用系统的色彩理论和技法绘画。比如点彩画派的技法：不调色，只用四原色的色点的叠加给人整体的感官印象。看看乔治修拉（）的这幅《A Sunday Afternoon on the Island of La Grande Jatte》
--- 我是现代主义的分割线 ---
表征：所有的物体都用大块强烈而浓重的色块，笔触奔放直接；不受物体原本的色彩限制，不拘泥于细节和传统的透视法则，就连阴影都不按常理出牌，例如橘黄色的树加蓝色的阴影，红色的天空等等。
哲学：颜色首要的功能应是情感的表达。颜色不应受程式拘束，应该让他们发挥最朴实直接的力量，碰撞出最有表现力情感。
代表作： 《蜿蜒的道路》
物体的立体特征被大色块替代，物体没有阴影，难以分辨远近。注意看天空和树木的颜色，典型野兽派的配色
马蒂斯（）的《绿色条纹的马蒂斯夫人》，感受一下这浓烈的色彩和奔放的质地。我猜你大概能认出他
再看看弗拉芒克（）的《The River Seine at Chatou》，有没有一种梵高附体的感觉？你说对了，野兽派的确是受过梵高影响。不过野兽派用色更浓烈，色彩搭配激发一种焦虑感，且笔触更粗放。
3. 表现主义
表征：扭曲和夸张形态，强烈的色彩，人性的焦虑，工业社会的异化感；表现来自艺术家内部的【心理体验】，弱化了感官体验。
哲学：他们认为艺术可以揭示人性最核心的真相。在某些方面和野兽主义类似，都用非现实主义的强烈色彩，但不同的是，表现主义是通过颜色来传达异化、内心的焦虑和人性的挣扎。有些通过自然灾害来表现破坏性，有些则是描绘集体中被异化的个体。
代表作：爱德华蒙克 《呐喊》
个体与世界的抗争。既是视野和听觉的呐喊，也仿佛整个世界都在撕扯着画中人物的灵魂呐喊，无法外泄的焦虑和与眼前一切的疏离。
的《柏林的街道》。棱角分明的线条，令人坐立不安的色彩冲突，来往的人扭曲的形态，疏离的表情，画面中心的两个妓女。
4. 立体主义
碎裂，凌乱，解析，重组，天才
不遵从透视规则：体被压至面，而面与面间的结构也不遵守物理法则;用立体主义的视角看一个三维的物体，被向内弯和向外翻呈现的都是同样的面。
用一幅画表现了视角在时空中的变换：物体的内、外、不同面向，都与画布的平面置于同一个平面。
前景与背景互相嵌入，空间与实体交错~只能说...真的很妙
哲学：受塞尚【多视点并置】理念的影响，他们认为艺术是可以征服时间与空间的：视野之于空间，运动之于时间，视野的变换本身就是空间在时间中的运动。
毕加索（）的《亚维农的少女》据说是他第一幅立体主义画作，人格分裂倾向已初见雏形，但还可见人形。
乔治布拉克的（）《曼陀铃》，到了这个时期已经彻底分裂了。但很多立体主义画家喜欢画静物，尤其是各种乐器。看不出是什么的话，猜个吉他或者曼陀铃琴说不定就对了。此时的立体主义属于分析立体主义。
到了格尔尼卡时代人形已基本扭曲，立体主义技术也完全成熟。私以为用立体主义来表现战争实在妙至毫巅。凌乱的碎片，断裂的记忆，对于所有经历过战争的人来说，如阴影，如梦魇，埋藏在潜意识中，无法回忆，无从躲避。这种分裂感被立体主义如此完美拿捏，我竟无言以对。
后期立体主义进入综合立体主义时代，开始加入更丰富的色彩和材料，比如胡安格里斯的《Fantomas》
5. 未来主义
表征：表现速度、力量、科技进步、城市化、活力。时常用平面展示连续性的移动。
哲学：他们崇尚机器的力量，是艺术家中的硬科幻。他们不遗余力挣脱美学的枷锁，拥抱现代社会的一切。他们的表现手法受后现代和立体主义影响。尽管技巧各异，但分辨未来主义的主要方法是共同的主题：速度，现代化，力量。值得一提的是，好多未来主义艺术家后来加入了法西斯。
代表作：贾科莫巴拉《拴着皮带的狗的动力》
其实我觉得这幅画萌萌哒?(??&???? ?? &??????)?...不同时间的连续性的瞬间放在一个平面上，好吧，硬要说这展现了科技感和未来感其实有点勉强，我只是觉得萌萌的。
Luigi Russolo 的《高楼》
6. 达达主义（达达主义比较特殊，原谅我可能废话多一点了）
哲学：荒谬，虚无主义。
达达主义的特殊在于，从它开始，艺术才正式成为哲学游戏。（仅个人观点，不喜勿争）。
他们解构一切，不相信权威。
他们用半开玩笑的方式毁灭了艺术，同时也拯救了艺术。
他们解放所有【你以为是艺术】的观念，并告诉你【所有你以为不可以是艺术的的】未尝不可以？
无意义，荒谬，随机性，无意识，这些都是达达主义的元素。
这也正是你无法给出【什么是达达主义】这个问题的答案的原因：
你一旦给出系统理论，荒谬便不再荒谬，无意义便被强加了意义。
&达达主义就是反达达主义。&
不为陈列在艺术馆中诞生，也不为被解读而诞生。不如搁置。
代表作：没有固定形态，各式各样，只要能体现【达达】都是达达。
比如机械的达达派 弗朗西斯&皮卡比亚（Francis Picabia）《儿童的汽化器》（The child Carburettor). 看上去是儿童随意绘制的汽化器吧？但经过一些标注，又可以代表男女生殖器。你以为是生殖器吧，其实不过就是孩子的涂鸦。达达的诙谐幽默背后是虚无主义哲学，否定人生有本质的意义和目的。（看出来没，达达主义和表现主义的哲学是对立的。表现主义就像尼采一样，推翻旧有规则以后寻找自己的意义，即使是扭曲与挣扎中；而达达则是加缪，推翻旧有规则，在荒谬里找乐子）
再比如这幅施维特斯的《Merz 163, 流汗的女人》。&merz"是施维特斯给自己的艺术形式的命名，被称为&心理拼贴。&没有诠释，却邀请你加入。这幅 Merzpainting 被命名为流汗的女人。
当然，达达主义不能不提的就是杜尚。杜尚的作品简直就是传统美学的炸弹。他最擅长的就是把日常用品和工业成品签上名字，这个玩意儿由此就变成艺术品了，以此消解了【艺术品 art】和【工艺品 craft】的界限。比如最有名的《泉》，学名《尿壶》。
里面 @王井 和 @李永学 都讲得挺好的。
美学家们对杜尚是又爱又恨。他不光影响课堂纪律，还带坏一批小伙伴，不过也有的美学家比如亚瑟丹托就觉得泉不仅是艺术，还是符合历史进程的艺术的新篇章。凡是被赋予了意义的，被艺术家有意识创造的物品，都可以是艺术，详见我另一个答案。
推荐阅读：
美国国家美术馆的达达主义资料夹，有大量作品
达达与反达达 ，图文并茂
7. 至上主义
表征：抽象几何；单调；空间运动
哲学：只有抽象的几何能表达精神的纯净和人生真谛（有点像毕达哥拉斯的美学）。既不需要叙事性也没有政治含义，但他们认为几何形状的语言才是艺术的语言。
代表作：前期颜色较为单调，如米列维奇（Kasimir Malevich)的《白中之白》。在这幅画里，几何形状的冲撞已经初见雏形。
到了&空中的至上主义时期&，颜色更为丰富，几何形状之间的动态互动更明显，还表现出了空间的概念，例如这幅《八个红色方形》。
里茨斯基（El Lissitzky)则是晚期至上主义，更复杂，带有律动感，而不仅是单纯的抽象形状了。
8. 超现实主义
表征：荒诞却细腻的场景；无意识梦境，各种人、动物、暗示性符号看似无意识却似乎呈现一种隐喻；
哲学：深受弗洛伊德精神分析的影响，他们认为理智压抑了创造力，而无意识是开启的大门。他们觉得自然主义和现实主义是把【真相】和【现实】混淆了，而真相，永远藏在逻辑后。
代表作：达利《记忆的永恒》，时间的可延展感，无序组合的五官...不明觉厉吧
达利的《the great masturbator》，译成超级自慰狂, 感受一下...
再比如恩斯特（Max Ernst)的《新娘的婚纱》(Attirement of the Bride),鸟皮新娘在鸟人的带领下结婚，算是噩梦还是爱丽丝的仙境呢？
另外我个人非常喜欢雷尼玛格丽塔（Rene Magritte)的作品，禁欲的肢体语言配着跳脱的场景。
推荐资料：
9. 动作画派（算是抽象表现主义的分支）
表征：颜料的挥洒，奔放的能量
哲学：动作画派是用画布捕捉舞动的力量。每一道笔触本身就是艺术，而颜料在画布上仅仅是动作的投影而已。
代表作：库宁（William de Kooning)的《通往河的门》
波洛克（Jackson Pollock)
这是小学生画的：
--- 我是后现代的分割线 ---
10. 波普艺术
表征：平常的，批量的，可消费的，感官享受的，不带情感的，光鲜性感的...广告、海报、媒体，一切都被包装，一切都被波普化。 你嫌弃他流水线也好，说他商业化也好，这就是日常。推荐一下这个答案
哲学：安迪沃霍说&一切都是美的。波普是一切。& 波普艺术就是反艺术。波普是机械复制时代艺术品从神圣到多元灵韵的消散，引用 @李洛迦写的一句话
灵晕的消散是一种距离感的消散。足够的距离造成了艺术品本身的陌生化，促成了他自身的权威和神秘。距离感是一种建构在传统和远方的拒绝阐释。拒绝阐释标志着一种权威，而这种权威正在被技术和大众颠覆。&当代大众有一种欲望，想使作品在空间上和人情味上同自己更近。& &&《机械复制时代的艺术作品》本雅明
代表作：安迪沃霍《Brillo Box》。亚瑟但托觉得 Brillo Box 是开创性的：安迪沃霍的盒子和商店卖的盒子有什么差别？艺术品和非艺术品的差别仅仅在于创造时的意图，与美无关。于是艺术在后现代语境下就是意义的赋形。
这些海报你肯定见过，安迪沃霍的《玛丽莲梦露》
《我曾是富人的玩物》
11. 极简主义
表征：简单、规则的几何形状的重复
哲学：他们相信圆形、矩形这些基本的形状本身就是一个简洁却独立的整体，能激发独特的感情。把这些简洁的形状用某些形式重复、排列在二维或三维空间就是艺术了。
代表作：卡尔安德烈(Carl Andre)的 《Venus Forge》
Eva Hesse 的《附录》（Addendum）
每个风格只是抛砖引玉，还是需要大量地看才有脉络。希望大家不要拘泥于风格和主义~这些&XX 主义&是 19 世纪才兴起的，如果对艺术史感兴趣还是建议大家从文艺复兴读起~
推荐资料：
超好用的资料库，囊括了 MoMA，国家艺术馆，古根海姆等超多艺术馆藏
现代及后现代艺术风格介绍
大都会博物馆的艺术史资料库，图文并茂：
知乎上艺术史入门书籍推荐：第B14版：大道文化副刊
《如何看一幅画》
学习观看一幅画，首要的是相信自己的眼睛
■《如何看一幅画》弗朗索瓦芭布·高尔（法）/著郑柯/译中信出版社（2014）　　新快报讯&面对一幅画的时候，你会不会感到茫然无措呢？也许我们可以从艺术作品里感受到一些情绪，但是仍然无法理解作品。　　弗朗索瓦芭布·高尔充分考虑到观看者面对艺术作品细致入微的观赏方式，提供了丰富的背景知识与作品的创作环境。本书为一场精彩的艺术之旅提供了权威的指南。画作与现实世界的关系是怎么样的？艺术家是在美化自然，还是在扭曲自然？艺术家是想要令观看者震惊，还是获得安慰？随着作者简单而微妙的分析，每幅画作的意义逐渐清晰起来。　　谈论历史、风格、象征，都不如直接去接近每件作品　　学习观看一幅绘画，首要的，也是最重要的，是愿意完全相信我们自己的眼睛。艺术家在面对空白画布时，他们自己的选择和判断，他们的所为和所不为，其结果就是我们看到的魔法。把我们的注意力放在画布上，就是让我们自己有机会去发现，发现它为身边这可见的世界增加了什么。　　但是一幅画无论其著名与否，都可能带来威胁。画布上有一种光环，可以吸引我们，或是令我们感到不安，让我们觉得：第一印象不管多么强烈，总是可能继续扩展、深入。简而言之，其中有种东西我们无法捕获。　　无论它的主题是什么，每件艺术作品都具体表现出了一系列感受和记忆，而且二者最终融为一体。作品的影响立竿见影，同时又很复杂。对我们来说，作品可能很新鲜，但它从不孤独。　　即使是最不了解作品的观赏者，也会进入一幅绘画作品的氛围之中。永远不要低估我们看到的东西。就算是对我们自己，我们的反应可能看上去挺幼稚，但它也有其合理性。我们面对一幅图像的第一反应，不管是一见钟情，还是马上就产生厌恶，主要在于它表现现实的方法：首先映入我们眼帘的，是画作与自然之间的相似程度；令我们感到惊讶的，可能是它将世界理想化或是转换的方式，熟悉的地标变得模糊不清，这也会让我们不安。这些因素会马上起作用，而且比起其他任何信息来说，更容易让我们深深触动。我们可能无法解释看到了什么，但是多少可以明白说出吸引或是令我们反感的东西。当然，历史、风格、象征、构图等方面的问题也肯定不会忽略。重点在于：直接接近每件作品的能力；就像我们去见某个人之前，不可能事先知道他或她的过去。　　（摘自《如何看一幅画》书中的《序》）
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原生态的画作
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挺好玩的。
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